Julián Rodríguez da vida al cemento
YARDA. Algunas de las figuras que trabaja el artesano en su taller de la zona Sur, a escasos metros del puente Amor de Dios
La Paz / 24 de febrero de 2021/10: 55
Aprendió el oficio en su adolescencia y con los años perfeccionó la técnica. Actualmente, sus obras se venden en el país mientras otras cruzan las fronteras.
Es un territorio poblado por animales como loros, tucanes, búhos, cisnes, elefantes, sapos y pelícanos. Los querubines también aparecen en ese paisaje, aunque no es el Jardín del Edén, es un espacio que da vida al cemento, transformándolo en esculturas y fuentes ornamentales. Es el taller de Julián Rodríguez, ubicado a escasos metros del puente Amor de Dios, en la zona sur de La Paz.
“Empecé cuando tenía 15 años y ya llevo unos 40 años trabajando en esto. Hacemos artesanías y esculturas de cemento, así como columnas y balaustres para las terrazas ”, dice el Cochabambino, quien vive en La Paz desde hace décadas y comenzó sus primeros pasos en un taller en la ciudad de El Alto.
Las figuras que trabaja suelen estar hechas de materiales como bronce, mármol, granito, yeso y piedra. Pero estos materiales no siempre son adecuados para dar forma a estas figuras o tienen precios muy elevados. En estas circunstancias, el cemento es una buena alternativa, teniendo en cuenta que es un material de construcción común y económico.
Para comenzar con la tarea de crear estas figuras, Rodríguez primero instala los moldes donde va a verter el cemento. “Tallamos el molde para que tenga un buen acabado. En el interior del molde, además de cemento puro, se coloca cemento con hierro reforzado ”, detalla el artesano, que trabaja en este lugar y también en Rosales desde hace cinco años.
“Las personas que conocen y aprecian estas esculturas de jardín y también columnas o balaustres para terrazas o chimeneas vienen aquí a comprar. Todo está pintado a mano y es como si fuera piedra ”.
Este oficio lo practica toda la familia Rodríguez desde hace muchos años en
Cochabamba, los hermanos del entrevistado se expandieron a otros departamentos del país. "Mis hermanos mayores me enseñaron y trabajan en Santa Cruz y Tarija, y les va bien".
Trabajar con el cemento es rápido cuando tienes el molde, ya que el vaciado tarda unos 15 minutos y en media hora se concluye la primera fase, el secado. “Todo trabajo debe refinarse puliendo. Se hacen dos búhos al día, y en dos o tres días se terminan de pintar estas piezas, si quieren agregar color ”, dice.
Hay para todos los gustos, mientras que hay personas a las que les gusta la uniformidad gris del cemento, otras prefieren darle algún otro tono, por eso la pieza se puede pintar en cualquier color brillante o en tonos mate.
Los clientes del artesano son de diferentes lugares. “Algunas personas de la zona sur, El Alto, los Yungas y Riberalta son los principales compradores de estos adornos. También han estado bien confinados a Suiza y Perú ”, cuenta con orgullo sabiendo que su trabajo es del agrado más allá de nuestras fronteras, aunque los pedidos cayeron con la llegada del COVID-19.
“El Sur siempre fue un lugar donde la gente compraba estos elementos para sus jardines o chimeneas, pero el crecimiento económico de los últimos años, antes de la pandemia, hizo que El Alto construyera casonas”, agrega.
En Perú también hay demanda de estas piezas para islas en el lago Titicaca, donde operan hoteles que esperan ser reactivados. “Las efigies hechas con la mezcla de cemento y arena tienen mayor demanda porque son más duraderas. Son detalles que requieren mucha paciencia porque hay que esculpir y cincelar para conseguir un buen acabado ”, comenta.
Los precios de las obras oscilan entre Bs 100 y Bs. 5.000. “Cada vez que hay nuevas tendencias, ahora me piden que los mexicanos las coloquen en los huertos y también setas. Estoy trabajando en varias de estas piezas para clientes ”.
No hay tiempo que perder, ya que hay pedidos en espera. El artesano toma un lecho de arena que le sirve de lienzo, un puñado de cemento se convierte en aceite y sus cuchillas se utilizan para rematar los detalles como si de un pincel se tratara.
Así modela el rostro de un querubín inocente que coronará una fuente circular sostenida por una columna. Hay un lenguaje secreto entre él y el cemento: un diálogo con sus manos, que dan vida a nuevas formas.
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El proyecto del fotógrafo Gonzalo Laserna y el diseñador Luis 'Cucho' Arce está realizado con materiales reciclados
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La Paz / 29 de noviembre de 2021/3: 32 PM
Inspirado en los viajes cósmicos, la exploración espacial y el deseo de renovar la fotografía nocturna, nació el Astroamauta, un proyecto de Gonzalo Laserna (parte del equipo de Noctis) y Luis “Cucho” Arce. El primero fue el que originó la idea. “Lo tuve durante mucho tiempo. Como soy astrofotógrafo y me dedico a la fotografía nocturna, pensé que sería fantástico tener un traje de astronauta y darle un toque místico y mágico ”, comenta la artista visual, quien habló de esta idea al diseñador. Arce, en ese momento, "venía desarrollando una nueva marca —Cuchx— con expresión juvenil y artística en la industria del diseño y la moda adaptada a las nuevas tendencias", explica.
La colaboración entre los dos artistas comenzó con una lluvia de ideas y un sinfín de bocetos. “La inspiración inicial fueron los diferentes trajes espaciales, tanto del cine como de los reales, que son mucho más accesibles, utilizables y funcionales. Uniendo estas nuevas ideas con algunas culturas del mundo, símbolos andinos y otras iconografías ancestrales es que se vio el Astroamauta ”, dice Laserna. Frente a estos patrones, el Astroamauta se distingue por incorporar materiales reciclados. “Es un ser del futuro que regresa con un mensaje de conciencia y supervivencia de nuestro planeta y especie”, afirman los dos creadores.
Lonas recicladas, telas viejas, botas en desuso, un casco usado y diversos materiales extraídos de equipos electrónicos -como los LED- componen el traje que, desde sus inicios, buscó apelar a una moda ambientalmente consciente. “El objetivo es evitar el desperdicio, reutilizar materiales en desuso, lograr tecnologías de reciclaje y sensibilizar a través de la gestión de residuos, basura y procesos de producción limpia”, señalan.
“Primero hay un traje interior acolchado tipo overol para climas fríos, que evita que la lona entre en contacto con la piel. Opcionalmente se confeccionó un mono sin relleno para climas templados ”, explican. Todo ello combinado con una iconografía andina estampada en los materiales. “Se utilizaron varios elementos inspirados en Tiwanacota, iconografía y simbología andina y ancestral, tratando de rescatar ese lenguaje visual ancestral, presentamos una chakana en el centro del chaleco y varios íconos, líneas y símbolos en el resto del traje”.
Así llegó la versión final. “Una vez realizada la idea gráfica, se desarrolló el molde en base a un mono combinado; es decir, una moldura de un pantalón de moto y la fusión de un mono de trabajo. El chaleco del traje es una adaptación entre un chaleco de trabajo y un chaleco antibalas desmontable y adaptable que tiene estampados termoimpresos, como el resto de la iconografía del traje. Luego el casco, las botas y la mochila se transforman e intervienen con luces y otros materiales de carácter más tecnológico ”, describe Arce.
El Astromauta fue visto por primera vez en la alfombra verde del Billboard 2021 en La Paz y Cochabamba. “En medio de la creación, Cucho fue invitado a participar como diseñador del evento, junto a otras personalidades y artistas”, recuerda Laserna quien, junto a su pareja, vio una importante oportunidad en ese momento para acelerar el proceso de realización, llegar al evento y finalizar el proyecto.
El traje no será estático, se desarrollarán versiones nuevas y mejoradas con mayor funcionalidad y durabilidad. “La idea del traje es que pueda soportar diferentes climas adversos, en nuestro caso. Para La Paz, en medio de la cordillera, tiene que soportar climas fríos ”, explican los artistas, quienes piensan que esta ropa se puede usar para visitar diversos destinos turísticos, como la sierra.
Una vez que alguien ocupa el traje, se convierte en un ser espacial y su entorno se convierte en una galaxia. Este fue el caso del Valle de las Almas en la noche y al amanecer cuando se llevó a cabo la primera sesión de Astroamauta, que fue capturada por el propio Laserna. "Creemos que hoy estamos viviendo la era espacial y pronto será mucho más factible hacer un viaje de este tipo", dicen estos dos artistas, que con su trabajo y su visión ya se anticiparon al futuro.
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Foto: Roberto Amigo et. al. Viajero virreinal. Acuarelas inéditas de la sociedad rioplatense. Buenos Aires, 2015.
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La Paz / 29 de noviembre de 2021/3: 31 PM
Túpac Katari, el líder indígena que fue desmembrado por los españoles en noviembre de 1781, es un personaje omnipresente en el imaginario boliviano. En un trabajo anterior (Nicolás y Quisbert 2014) se analizaron las diferentes formas en que Katari fue retratado: desde el mártir precursor de la Independencia que imaginó la Revolución de 1952, pasando por la imagen icónica construida por el katarismo y el indianismo de un rebelde Tupac Katari, llevando en sus manos un pututu y un rifle; terminando con las representaciones del Estado Plurinacional, donde aparece sereno y en posición de poder. Sin embargo, ¿cómo fue retratado Túpac Katari durante los eventos de la Gran Rebelión de 1780-1782?
María Eugenia del Valle señaló que, a pesar de la existencia de muchos relatos del levantamiento, llama la atención la ausencia de una descripción del aspecto físico de Túpac Katari. Una excepción es el relato del agustino Matías Borda, quien tuvo la oportunidad de conocer a Katari en su campamento de El Alto y lo describió de la siguiente manera: terciopelo negro ”. Asimismo, se sabe que durante el levantamiento circularon retratos pintados de los líderes insurgentes. El militar español José Reseguín, quien participó en la columna que asistió a La Paz durante el primer asedio y que encabezó la expedición que liberó la ciudad del segundo asedio, confirma la existencia de un retrato de Túpac Katari. En una carta que Reseguín envió a Buenos Aires en marzo de 1782, dirigida al virrey José Vértiz, anunció que le enviaba la honda del líder quechua Miguel Bastidas y varios retratos de líderes indígenas, incluido uno de Túpac Katari. Textualmente, la carta dice lo siguiente:
“Los retratos adjuntos le darán a Vuestra Excelencia una idea completa del orgullo que los jefes de los rebeldes se habían sentido con las actuales alteraciones… Uno de ellos es el del principal líder Túpac Catari que tanto ha agotado y destruido estas provincias; representa la forma en que se manifestó ante nosotros en el rol de Calamarca cuando fuimos a ayudar a la ciudad de La Paz la primera vez, en la cual, seguido por mí, perdió el caballo que aún existe en mi posesión ”(Del Valle de Siles 2011: veintiuno)
A pesar de las intensas búsquedas, hasta el momento no se ha encontrado ni éste ni ningún retrato de Túpac Katari contemporáneo a los hechos de la rebelión. En gran parte, porque luego de la ejecución de los líderes rebeldes, las autoridades coloniales ordenaron la destrucción de cualquier retrato o imagen que evocara su memoria.
Ahora, 240 años después de la muerte de Túpac Katari, hay un retrato del líder indígena contemporáneo a los hechos de la Gran Rebelión de 1780-1782.
Forma parte de una colección de acuarelas del siglo XVIII y principios del XIX, que perteneció a un coleccionista particular y que fueron exhibidas y publicadas posteriormente en Buenos Aires en 2015 en un texto titulado: Un viajero virreinal. Acuarelas inéditas de la sociedad rioplatense. Los autores del volumen enfocaron su análisis en las acuarelas correspondientes al territorio de lo que hoy es Argentina y no tanto en las imágenes de Charcas o Alto Perú (hoy Bolivia), identificando así el lugar y contexto en el que Esta imagen de Túpac Katari fue pintado quedó sin resolver.
Túpac Katari aparece vestido con uniforme español, sombrero tricornio, medias rojas con detalles dorados, zapatos con espuelas, portando un sable y montado en un caballo blanco, bajo la etiqueta “Julián Apasa alias Túpac Catari, principal líder de la rebelión peruana en el Virreinato de Buenos Aires ”.
La imagen de una Katari vestida a la española puede resultar llamativa a primera vista, pero es fundamental señalar dos cosas. Primero, los testimonios de la rebelión de 1781, como cartas y diarios, muestran que Katari solía usar ropa militar española. En segundo lugar, comprender el uso que hace Tupac Katari de la ropa española significa comprender la rebelión anticolonial del siglo XVIII, algo diferente del anticolonialismo contemporáneo. Desde que el virrey Francisco de Toledo sentó las bases del orden colonial a fines del siglo XVI, la ropa se convirtió en un indicador de pertenencia étnica. En este sentido, estaba absolutamente prohibido que los nativos comunes vistieran como los españoles; Solo a los miembros de la nobleza indígena, los caciques, se les reconoció como un privilegio el poder vestirse a la manera española y montar a caballo. Ver a un indígena "del común" como Julián Apaza Túpac Katari vestido de español, y más a caballo, fue un ataque al orden colonial. Pero este retrato de Katari, además de elementos hispánicos, también incluye importantes elementos indígenas. Primero, un cabestrillo o kurawa cruzado al pecho y sobre todo la remera negra o unku con bordes dorados que lleva Katari sobre el uniforme español. A partir de ahora, el unku negro fue una prenda muy importante para los antiguos incas. Asimismo, consideramos que se trata de la “… camisa de terciopelo negro” descrita por el agustino Matías Borda.
En cuanto a su origen, consideramos que este es el retrato que José Reseguín envió al virrey Vértiz, no solo porque fue encontrado en Buenos Aires, la antigua capital del virreinato, sino porque el atuendo de Katari coincide con la descripción del que portaba. en la acción de Calamarca el 27 de junio de 1781, que fue narrada por el capitán español Francisco Javier de Cañas en los siguientes términos:
Día 27: con la noticia certera de que teníamos que esperar a Tupa Catari en Calamarca caminamos con las precauciones necesarias, llegamos al destino a las cuatro de la tarde y antes de acampar vimos en una capilla que se aleja del pueblo a unos dos cuadras, alguna ración de indios y abajo en la pampa, una con un descapotable rojo ".
El cabriolet era una “… especie de capa con mangas o aberturas a los lados para mostrar los brazos” (DRAE) y es la prenda que parece lucir Katari en el retrato. Este episodio en Calamarca fue la primera vez que Reseguín vio a Túpac Katari, y en la cima de su poder; Se volverían a encontrar cara a cara en noviembre de 1781 en el Santuario de Peñas cuando Katari fue capturado y luego ejecutado. Aparentemente, la aparición de Túpac Katari en Calamarca impresionó tanto a Reseguín que mandó pintar este retrato y enviarlo al virrey del Río de la Plata en Buenos Aires, donde finalmente sería encontrado.
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La Paz / 29 de noviembre de 2021/15: 27
¿Te suena el mercado de Lanza? ¿Qué sonidos lo diferencian de otros centros de abastecimiento? Esa es la pregunta que tiene alguien que está trabajando en un paisaje sonoro mientras graba y recolecta una combinación de sonidos que, al escucharlos, busca hacer pensar en la identidad que tiene este conocido espacio de la ciudad de La Paz.
"En la Lanza el ruido es diferente porque es un espacio cerrado, con ecos y acústica diferente a, por ejemplo, el mercado de Rodríguez", dice Roberto Condori Carita, comunicador social nacido en La Paz, quien luego de la pandemia de COVID19 quiso Haga preguntas más complejas al crear estos paisajes sonoros. Así nació el proyecto Sound Films: un virus, diferentes pandemias.
“La Garita tiene un sonido por la mañana, otro al mediodía y otro por la noche. Los sonidos de un lugar se transforman con las actividades ”, explica.
Si un paisaje sonoro presenta sonidos característicos de algún lugar, entonces un cartel sonoro es “un proyecto audiovisual que retrata gráfica y sonoramente” alguna idea o concepto. En el caso del proyecto de Condori, hay varias reflexiones sobre “las otras pandemias” que ha revelado el coronavirus.
Tras escuchar, el comunicador social ha identificado varios, pero para su proyecto retrató ocho: sensacionalismo, precariedad laboral, contaminación ambiental, violencia machista, racismo, miedo, contaminación acústica y hambre.
Para hacer sus carteles, no solo utilizó una imagen, sino que la combinó con paisajes sonoros, efectos de sonido, testimonios en primera persona y clips de audio y video que ayudan a darle una identidad a cada uno de estos problemas. El objetivo final de Condori es "sensibilizar a las personas que visitan estos carteles de forma virtual".
“Es artístico y político al mismo tiempo. El proyecto no se trata de grabar un sonido y transmitirlo. Pero tampoco es una ficción; se trata de una narrativa sonora, de una reconstrucción e intervención de paisajes sonoros a partir de un mensaje y una visión crítica ”, aclara Condori.
Con una grabadora Zoom H6 y el aval del Fondo Competitivo Municipal para la Promoción del Desarrollo, Salvaguarda y Difusión de las Culturas y las Artes (FocuArt) este año -que no ha sido pagado y no lo será hasta el 2022-, Condori recorrió La Paz con un oído entrenado en más de 10 años de trabajo en las estaciones de radio Desire y Líder —con varios reconocimientos para Nación Marica, programa que realizó con Édgar Soliz—, pensando en la mejor manera de representar estas reflexiones. “Hay dispositivos más avanzados, pero este me ha ayudado mucho para este proyecto en el que hay que ser muy preciso y fino con el sonido”.
Para el cartel sobre sensacionalismo, por ejemplo, pensó en cómo “todas las mañanas recibíamos informes de contagio con cuántos contagiados y muertos en todos los canales. Eso también es parte del paisaje sonoro de ese momento. Tomé esos sonidos y los comparé con la narración de un partido de fútbol. "
“Son cortes mediados por el silencio, donde escuchas informes mientras un equipo marca un gol y esto es como convulsionar. Al final es lo mismo. Los medios de comunicación han jugado un papel importante en la pandemia. Pero las personas no eran personas, eran números. Era una competencia: ¿qué departamento tenía más infecciones? "
O los vendedores ambulantes, cuya “realidad laboral siempre ha sido precaria” y que en la pandemia se vieron obligados a dejar de vender dulces u otros productos para comercializar barbijos, aerosoles y alcohol en gel. La opinión pública describió esto como una “reinvención” cuando nada más cambió lo que vendieron, ni su situación. “En muchos casos no ha sido reinventarse uno mismo, sino el miedo al hambre. Los carteles que hice tienen pautas que ayudan a la gente a reflexionar para no romantizar el tema de la reinvención cuando en realidad se trata más de una cuestión de supervivencia ”.
Pero la mayor señal de que hay más pandemias que el coronavirus fue el río Choqueyapu, que luego de pasar mucho tiempo sin recibir contaminación de La Paz, tenía aguas más claras.
Así que ahora el gran desafío de sus carteles, lanzados entre el 3 y el 11 de noviembre en Spotify y YouTube -buscarlos como Sound Films: un virus, diferentes pandemias- es generar ese tipo de reflejos. Su mayor obstáculo: el hecho de que, en Bolivia, y también en el mundo, la sociedad refuerza los estímulos visuales más que los auditivos.
“No tenemos una cultura de escucha muy avanzada. Pensamos en La Paz en imágenes, pero no pensamos en la ciudad en sonido. Y el paisaje sonoro te lleva a otro momento de reflexión, te pone atento a una escucha más profunda. Los sonidos pueden confundirnos, pueden parecernos simples, pero aún los estás agregando a tu memoria y experiencia ”, explica el cronista y escritor radial que ganó el Premio Periodista Libre de Riesgos 2018, entre otros premios, que está entrando en nuevos territorios. por su profesión.
“Nos hemos dado cuenta de muchas cosas, pero también tenemos que darnos cuenta de que somos la causa de estas pandemias. Así que es un reflejo que me gustaría que la gente pudiera cuestionar ”, dice. “Sé que sucederá con el tiempo. Espero que sea así ”, añade.
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La Paz / 29 de noviembre de 2021/15:12
La nueva exposición semestral del Museo Nacional de Arte es una pérdida, un fuego amigo, un tiro en el pie, un naufragio. La mirada indígena, original, campesina carece de propuesta / idea; es una mera yuxtaposición de imágenes. No existe la interpelación del visitante y la contextualización. El texto (sin firma) que acoge la exposición promete "miradas y análisis en torno a las condiciones de producción, circulación y consumo de los bienes culturales y las aportaciones / apropiaciones vividas en el ámbito artístico". Esas "miradas" y esos "análisis" brillan por su ausencia. ¿La razón? No hay línea de tutela, ni se espera. No hay método, dirección ni investigación. Parece que se ingresó al almacén del Museo para rescatar obras con la temática del título y luego se intentó construir un concepto curatorial cuando se invierte el proceso.
Antes de recorrer la exposición, conversamos con Edgar Arandia, Narda Alvarado y Valeria Paz. Edgar “Chino” Arandia, artista y exdirector del MNA, apunta a la línea de la carroza: “En la muestra no hay un solo pintor indígena, esa fue mi crítica al título, que se suponía novedoso por eso. Un título podría haber sido este: Visiones colonizadas y descolonizadas del mundo indígena o algo así. No sabían qué hacer con un tema muy delicado en Bolivia. Esta mezcla revela la pérdida, la improvisación y la falta de profesionalidad que se notan a la hora de planificar una exposición de esta importancia. El MNA es la institución más importante del arte boliviano, no se puede confundir con una galería del Sur ”.
La artista / investigadora Narda Alvarado sostiene la línea argumental: “En la muestra no hay investigación, no hay trabajo. La función de un museo es llevar una visión del arte al público. El problema de fondo es que no se cree en la figura de la curaduría y su conocimiento especializado con herramientas pedagógicas y pensamiento crítico. No se trata solo de colgar cuadros, las obras son imágenes, son dispositivos ideológicos que hay que deconstruir con todas sus capas ”.
La historiadora del arte Valeria Paz también apunta a la (no) curaduría como el pecado original: “Deberían haberse tomado el tiempo necesario para curar una curaduría más cuidadosa para una exposición en las salas permanentes. El resultado es que la cultura pierde sentido cuando se presenta sin la debida planificación; la atención que merecen las creaciones artísticas; los autores, sus ideas, búsquedas y luchas; su especificidad en relación con el contexto artístico, cultural, histórico y político particular del país ”.
La exposición de los curadores Osvaldo Cruz y Danilo Villamor (con línea museística de Freddy Taboada) comienza con una sala dedicada a las creaciones artísticas de la época prehispánica: son reproducciones de arte rupestre de La Paz, fotos de chullpares del cantón de Oruro de Macaya y cuadros de Tiwanaku (uno de Fernando Peñaranda de 1919 y otro de Jorge de la Reza, La conquista de 1929). Allí emerge, iluminada, una de las obras maestras de Cecilio Guzmán de Rojas: es El triunfo de la naturaleza. Es la corriente artístico-política del indigenismo.
Las preguntas que uno se hace no aparecen, ni remotamente: "¿Cómo vemos hoy el indigenismo? ¿Por qué debe ser alabado y / o cuestionado? ¿No convirtió Don Cecilio al sujeto indígena retratado / idealizado en un objeto?" Detrás del legendario cuadro vemos bocetos de Guzmán de Rojas con dos mujeres desnudas: un verdadero descubrimiento, un misterio.
En la segunda sala aparece la mítica Virgen del Cerro en todo su esplendor. Un texto breve intenta explicar su significado / importancia. Una máscara de diablo fechada en 1983 (propiedad del Musef) se encuentra frente al Cerro Rico y su virgen / Pachamama. Un retrato del Rostro Indígena de Luis Wallpher de 1947 luce sin comprender. Nadie sabe por qué. El diseño de esta exposición es idéntico al de la bienal anterior: Dios y la máquina. Junto al famoso óleo de Juan Rimsa, Festival Altiplánico, se ha colocado una escultura de Marina Núñez del Prado, India (1951). Nada dialoga con nada, la "juntucha" reina sobre todas las "cosas".
El disparate continúa en la tercera sala: una fotografía (de Tony Suárez) de los lienzos de Joseph López de los Ríos en el templo de Carabuco del siglo XVII (nuestra famosa “Capilla Sixtina”) se confronta con unas acuarelas de costumbres benianas de Melchor María Market . El texto adjunto dice: "El asalto del tigre a mi canoa, en lugar de mostrar el peligro de una escena que podría volverse trágica, resalta los aspectos humorísticos de situaciones probablemente utilizadas en Beni".
Las obras del barroco mestizo también se desperdician para desafiar y hacer pensar al espectador en estrategias de resistencia de ayer y de hoy. La feria bianual de MNA es una gran oportunidad perdida.
De la tercera a la cuarta sala, saltamos tres siglos y nos presentamos en Warisata con un espacio didáctico sobre el proyecto educativo e indígena de dos visionarios / gigantes avanzados de nuestra historia: Elizardo Pérez y Avelino Siñani. Y sí, compañeros, "el trabajo es paz y libertad". Los grabados del gran Genaro Ibáñez (¿para cuándo un acto de reconocimiento / recuperación de este gran artista de La Paz?) Y las pinturas de David Crespo Gastelú pagan además de los cinco bolivianos que cuesta entrar a ver la exposición. La creación de Warisata (otra reproducción) de Carlos Salazar Mostajo nos despide con mucho color desde el primer piso.
La Guerra del Chaco nos espera en el segundo piso: fotografías / postales de Luis Bazoberry y el dramático cuadro / cuadro negro Cama 33 TB evacuable (1934) de Cecilio Guzmán de Rojas junto con dibujos de Gil Coímbra, Jorge de la Reza y Raúl G Prada . ¿Alguna visión crítica sobre el papel de los soldados indígenas / campesinos durante la guerra y el clasismo / racismo de esos años? Ni una palabra, ni una imagen, ni una idea.
La siguiente sala dedicada a la “mujer andina” la identifica con su madre, con la montaña, con la patria, con la tierra, con la fertilidad. Sin comentarios. El espectacular óleo de Guzmán de Rojas, Mujeres andinas casi toca el techo. La Imilla de Miguel Ángel Pantoja es muda en siete idiomas. Llegamos en 1952 y aparecen los Mineros de Alandia y la Danza Aymara de Doña Marina. A un costado de la sala, tres exponentes del expresionismo abstracto: Alfredo La Placa (con Solunande 1994), Cordillera (1977) de María Luisa Pacheco; y Resumen de María Esther Ballivián de 1968. Frente a ellos, un cuadro de costumbres orientales de Herminio Pedraza y una reproducción de Historia de la medicina, el mural de Alandia Pantoja, ubicado en el Auditorio del Hospital Obrero de La Paz. El carro y el expresionismo telúrico no hablan el mismo idioma. La escultura de Victor Zapana Amukiwawa también guarda silencio.
Las pinturas "sociales" (de Zoilo Flores, Protesta Popular; de Walter Solón Romero, La mina; y de Lorgio Vaca, Manifestación Popular) acompañan con fusiles y metralla. Inés Córdova es una de las pocas artistas femeninas en la muestra. Sin comentarios. Casi una decena de cuadros (como La Puerta del Silencio de Fernando Montes y Una explosión de sabor de Álvaro Ruilova) ya han sido apreciados hace unos meses en la última exposición del MNA, La Colección del Rey. Las interrupciones se acumulan y continúan.
La sala dedicada a la wiphala tampoco se desperdicia. Vladimir Cruz hace un "Gastón Ugalde" con su Historia y memoria (1991). Un par de “kerus” y algunos “unkus” del levantamiento de 1789 nos dejan una escena / diálogo imaginario entre los (no) curadores: “¿no tenemos un cuadro de Tupaj Katari y / o Bartolina Sisa?”.
El texto que abre la "expo" habla de "artistas indígenas" y "artistas no indígenas", por tanto entre comillas. Y los que se consideran artistas de Arandia cholo, ¿por dónde entran? ¿Es Diego Morales —de quien podemos apreciar su gran pintura Hasta las últimas consecuencias— un artista “indígena” o “no indígena”? '¿Y dónde ponemos a Max Aruquipa, Antonio Mariaca, Eduardo Espinoza, David Angles o Erasmo Zarzuela? La misma pregunta vale para Zapana, para Marina, para Guzmán de Rojas, para Moisés Chire Barrientos.
La última sala de la muestra, dedicada al arte contemporáneo, no tiene relación con su concepto (no) curatorial. Es irrespetuoso "tirar" una instalación de Roberto Valcárcel (Significado de las artes, 1986) en medio de una sala sin contexto.
Sin embargo, es una belleza apreciar individualmente a grandes artistas como Gil Imaná (y sus Mujeres y el Corral), Gíldaro Antezana Rojas (y sus Pencas), Enrique Arnal (con su icónico Tambo), Mario Conde (y su La banda). , Cecilia Wilde (y su Jalq'a Lectura 1), Ricardo Pérez Alcalá (y su Un domingo por la tarde) o Diego Morales. De fondo, y para darle un toque surrealista, hay una gran fotografía de Wara Vargas de un cholet de Freddy Mamani. Quizás, de mala gana, Roberto Mamani Mamani ha dado en el clavo con el título de su cuadro: La gran fiesta, juntucha de sapos. El más incrédulo de todos es Aparapita (instalación de 1982) de Gastón Ugalde. Los pasajeros del micro Achachicala 130 de Raúl Lara no saben a dónde se dirigen; Visitantes del museo tampoco. Es una "expo" sin ton ni son.
Al finalizar el show, volvemos a charlar con Arandia, Alvarado y Paz. El “Chino” confirma: “No ha habido investigación previa para la asamblea. El Museo no cuenta con un curador adecuado / experimentado. Entonces cada obra brilla por su calidad o por su mediocridad. El director Iván Castellón es un profesional que tiene buenas ideas, pero está haciendo muchas muestras, una tras otra, sin un estudio previo, le va pisando la cola. Cree que generar muchas actividades es una buena gestión y luego sacrifica la cantidad por la calidad. La idea del MNA que instalaron las élites lo convirtió en un depósito de cosas antiguas y silenciosas. Para hacerlos hablar hay que investigar los imaginarios que se impulsaron desde la colonia, la república y el Estado plurinacional y hacerlos dialogar con la ciudadanía de hoy ”.
La historiadora Valeria Paz se refugia en las prisas: "Entiendo que al no contar con el tiempo suficiente y sumar la falta de información, reflexiones e investigaciones sobre el arte boliviano, ha sido imposible hacer una propuesta más contundente y desafiante".
Narda Alvarado cree que la víctima de esta exposición “folclorizada / turística / autoconsciente” no es el Museo en sí ni el espectador desorientado, sino la propia escena artística boliviana. “¿Cuánto ha costado? ¿Quiénes han sido contratados como curadores? El MNA no es una comunidad; tampoco debería ser un museo de propaganda partidaria ”. El investigador de arte Alvarado tiene más preguntas que respuestas: ¿Por qué no se ha contratado a artistas indígenas de hoy para dialogar con las obras de ayer? y tradicionalista? ¿Cómo abordamos su problema de representación? ¿Cómo pensaba Guzmán de Rojas y cómo piensan los artistas de hoy en Cecilio? ¿No es un delito imprimir reproducciones en lienzos de PVC en un museo nacional? ¿Es la mirada que tiene la curaduría sobre ese término la que está presente en la Constitución de 2009 en el mismo título de la exposición? ”.
Cuando sales del museo no lo sabes. El espectáculo durará dos años.
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Amaneció con un cielo lleno de nubes que cubrían el sol y amenazaban con un día gris en Copacabana. La temperatura estaba entre 6 ° y 8 ° Celsius, pero la sensación térmica era aún menor por el viento que soplaba helando las aguas del Titicaca. A pesar del frío, las orillas de la playa estaban bien protegidas por las autoridades municipales, que flanqueaban a Théo Curin, Malia Metella y Matthieu Witvoet, encerrándolos en un círculo para ofrecer un ritual: incienso con dulces para la salud y la prosperidad, así como flores. y plantas para atraer la buena fortuna para el desafío que tuvieron que enfrentar en este lago sagrado: nadar 110 kilómetros desde Copacabana (Bolivia) hasta las Islas Uros (Perú), en un período de 10 días.
Además de nadar esa longitud, tendrían que tirar, al mismo tiempo, de un barco construido por ellos mismos con productos franceses reciclados; el mismo que serviría como una especie de hogar durante los 10 días. Los nadadores se prepararon durante 14 meses para este desafío. El entrenamiento se realizó en agua fría a 6 u 8 grados centígrados durante una hora y media o dos en una piscina, con 15 kilómetros diarios y a la altura para hacerlo bien. "Así es como hemos formado un gran equipo", dijo su entrenador Stéphane Lecat.
Para finalizar el rito, los rayos del sol bañaron las manos levantadas de los tres nadadores franceses de alto nivel: Théo, Malia y Matthieu, quienes recibieron con entusiasmo toda esa energía del Rey Inti, sellando así el pacto entre lo ofrecido a la Pachamama y el otorgamiento de protección para el cumplimiento de su misión: una aventura deportiva que paulatinamente se convierte en una finalidad humanitaria y, sobre todo, ambiental.
"Para seguir adelante en la vida, tengo que superarme y establecer siempre nuevas metas". (Théo Curin)
A Théo, de 21 años, le amputaron las cuatro extremidades a los seis años debido a una meningitis. Tomó sus primeras lecciones de natación cinco años después a pesar de su miedo al agua. Rápidamente, este elemento le provocó una sensación de bienestar y libertad que le animó a perseverar en este camino. A los 14 años decidió dejar su ciudad natal de Lunéville para incorporarse al centro de natación France Handisport en Vichy. Muy pronto se convirtió en una de las grandes esperanzas francesas de la natación para personas con discapacidad y fue, en particular, el más joven de la delegación francesa en los Juegos Paralímpicos de Río de Janeiro en 2016. Luego se convirtió en doble subcampeón mundial en 2017 y ganó la medalla de bronce en los 200 metros estilo libre en el último Campeonato del Mundo en Londres en septiembre de 2019.
“Soy un nadador paralímpico, pero antes competía con nadadores que tenían las cuatro extremidades. Fue muy difícil para mí seguir el ritmo de esos competidores, así que decidí hacer mi propio desafío. Quería hacer un desafío que nunca había hecho antes, y también quería compartir esa experiencia, quería que otras dos personas participaran conmigo y por eso les pedí a Malia y Matthieu que se unieran a mí. Había muchos lugares que estaba buscando, y muchos de ellos ya habían sido cruzados, como es el caso del lago Titicaca. Investigando en este sitio, encontré que tenía dificultades excepcionales como la longitud, la altitud y el frío, y por eso me decidí por este lugar. Además, al realizar la búsqueda en este lago, también vimos que había mucha contaminación y queríamos enviar un mensaje ecológico en este desafío ”.
"No es un viaje lo que nos espera, sino una extraordinaria aventura". (Malia Metella) Malia, de 39 años, es una ex nadadora que se especializa en pruebas de velocidad en estilo libre y mariposa. Retirado desde octubre de 2009, ha contribuido al boom de la natación francesa. Es cinco veces campeona de Europa en piscinas cortas y grandes (2003-2004), subcampeona del mundo en 100 metros estilo libre en 200 y subcampeona olímpica en 50 metros estilo libre en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.
“Acepté este desafío porque fue Théo quien lo propuso, por el valor que le da a este proyecto y porque es un desafío muy fuerte para mí, salir de mi zona de confort, ya que no he estado en la rutina de un deportista de alto nivel. Nadar en agua libre en un lago con un frío excepcional es algo que nunca antes había hecho y que quería descubrir ”.
“Más allá de la aventura deportiva y humana, es la oportunidad de transmitir un mensaje importante”. (Matthieu Witvoet)
Matthieu, de 27 años, es un ecoaventurero que se embarcó, junto con su primo, en una gira mundial en bicicleta en 2017, recorriendo 18.000 km a través de 17 países para descubrir soluciones locales a los residuos plásticos. En octubre de 2019, nadó a través del Estrecho de Gibraltar para crear conciencia sobre la contaminación plástica en el Mediterráneo.
“Lo que hemos hecho con este proyecto es pensar en cómo transmitir este mensaje de limitar la basura, cómo podemos plasmarlo dentro de nuestro proyecto y por eso hemos hecho muchas cosas. Uno de ellos es el bote que vamos a tirar, vamos a estar como un caracol, tirando de nuestra propia casa durante 10 días. Esta casa es como un símbolo para nosotros y también es un poco extraña porque hay que tirar del bote nadando. Este barco cuenta con flotadores fabricados por los olímpicos en los años 90, dando así una segunda vida a los materiales usados. El almacenamiento de las piezas proviene de la basura de un teatro francés, lo tomamos y con un poco de magia de los ingenieros que están aquí con nosotros lo transformamos en nuestro hogar. Dentro de ella contamos con colchones eco-diseñados y eco-responsables, además de la instalación de productos fotovoltaicos innovadores que nos permitan estar en total autonomía energética. Una vez finalizado este desafío, vamos a ofrecer esta casa-barco al Instituto de Investigación para el Desarrollo (IRD), una institución pública francesa multidisciplinar y sus socios en la Universidad de La Paz, que realizan estudios científicos en el campo. del desarrollo sostenible, para que se puedan extraer datos sobre la calidad del agua. Además de eso, vamos a consumir alimentos sin generar basura. Por ejemplo, tenemos quinua y otros alimentos en bolsas reutilizables que se pueden usar 100 o 200 veces durante muchos años; y el agua que beberemos será filtrada del lago, por lo que no tendremos botellas de plástico ”.
El entrenador Stéphane Lecat, junto con los nadadores Théo, Matthieu y Malia. Foto: Andy Parant
Antes de la salida, el entrenador y su equipo fueron engañados con flores para la buena suerte en su misión. Foto: Andy Parant
La travesía de los nadadores fue acompañada por un bote con parte de su equipo francés y las autoridades y comuneros de Copacabana. Foto: Andy Parant
Agua Sustentable es una ONG boliviana que trabaja en una agenda ambiental, por eso formó parte de Dé fi Titicaca. “Este es un desafío importante, principalmente con un mensaje de hermandad y que lo podemos lograr, pero solo lo haremos si nos unimos todos y si trabajamos a diferentes niveles: desde el nivel individual (concienciar sobre nuestro consumo, sobre tirar basura, etc.), hacia la familia, comunidad, municipal (por eso estamos trabajando con el municipio de Copacabana), departamental, nacional, binacional (porque precisamente están dando ese mensaje de hermandad entre Perú y Bolivia) y claramente también vemos que hay apoyo internacionalmente de Francia ”, comentó la directora ejecutiva de esta ONG, Paula Pacheco.
Tras este desafío, la ONG seguirá trabajando con talleres sobre economía circular, gestión de residuos sólidos a un nivel más sostenible, y también sobre cómo solucionar el problema de la basura en dos islas sagradas: la Isla del Sol y la Isla de la Luna, que forman parte del municipio de Copacabana. “Queremos agradecerles por toda la inspiración que nos brindan Théo, Malia y Matthieu. Creemos que todos vamos a aprender de esta pasión y vamos a poder superar estos grandes retos para el medio ambiente ”.
Posteriormente, y minutos antes del inicio del desafío, las autoridades del Gobierno Autónomo Municipal de Copacabana entregaron premios a Théo, Malia y Matthieu, en medio de guirnaldas y ch'alla con fl ores. En el acto, la embajadora de Francia en Bolivia, Hélène Roos, dirigió unas palabras a sus compatriotas antes de su partida: “Queridos amigos, mi inmenso agradecimiento por el sueño que nos están haciendo vivir a todos. Recuerdo esa frase que dice 'Lo imposible se vuelve posible'. Ya has ganado tu desafío, ya que todos estamos aquí contigo para apoyarte y tú estás aquí para hacernos soñar. Si bien la COP26 estaba en pleno apogeo, su desafío es un recordatorio a través de su noción ambiental, el derecho a que todos somos actores en la lucha contra el cambio climático. Su desafío es también un recordatorio de la importancia de la solidaridad con los países hermanos y un desarrollo para la transición ecológica, como Francia ha prometido. Y finalmente, su desafío es también un recordatorio de la necesaria inclusión e igualdad de todas las mujeres y hombres ”.
La preparación de los bañistas en el lago Titicaca consistió en primer lugar en ponerse los trajes de baño, los cuales son térmicos, característica importante para poder paliar las bajas temperaturas de estas aguas. Gorros de baño, aletas, manoplas y gafas también formaban parte de sus complementos.
Los golpes y patadas de Théo, Malia y Matthieu empezaron furtivamente al son de los tambores, quenas y flautas que se escuchaban en la música de fondo. Poco a poco, los bañistas que tiraban del bote se fueron alejando de la vista de los que quedaban en la orilla. Fue el inicio de su jornada deportiva, solidaria y medioambiental de diez días por aguas sagradas.
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